Да-да, первый настоящий синтезатор был изобретен в России! Когда во время празднования 850-летия столицы, в Москве выступал легендарный Жан-Мишель Жарре (Jean Michel Jarre), то в качестве предисловия перед концертом он сказал, что рад оказаться на родине великого русского изобретателя Льва Термена. По толпе прошел шепоток. Уж не перепутал ли чего маэстро? Кто такой этот Термен? Публика не знала, о ком он говорит. В то время Льва Термена уже не было в живых.
Он ушел незаметно в 1993 году, когда ему было, ни много, ни мало, 97 лет. 97 лет славы, терзаний, безызвестности и гонений. Однако именно этому выдающемуся ученому принадлежит право считаться создателем первого в мире электромузыкального инструмента.
И произошло это аж в далеком 1920 году. В это непростое для нашей страны время Термен заведовал лабораторией института Иоффе. Там он и создал свой первый электронный музыкальный инструмент и назвал его этерофоном.
Звучание этого инструмента управлялось движением рук в пространстве относительно двух высокочастотных колебательных контуров, настроенных на общую частоту. Один из контуров имел наружный выход в виде антенны. Движение руки вблизи антенны создавало гетеродинный эффект, преобразуемый усилителем в звук. Высота звука менялась по мере приближения или удаления руки от антенны. Невиданным образом, как бы из ниоткуда, возникала мелодия. Музыканту даже не требовались привычные струны или клавиши – только полет фантазии и хорошая координация.
Чуть позже, уже на Западе, этот музыкальный инструмент получил название "терменвокс". "Движение, воплощенное в звук" – так определил его Альберт Эйнштейн. По сути, это был первый в мире электромузыкальный инструмент – прямой предок всех современных синтезаторов.
Вообще, судьба Льва Термена – это история, заслуживающая, как минимум, полнометражной экранизации. В жизни этого человека были и гениальные изобретения (терменвокс – лишь одно из них) и рукоплещущая переполненная до краев "Гранд-Опера", и своя студия в Нью-Йорке (часть от которой он сдавал недорого Эйнштейну) и вхождение в пресловутый пен-клаб (клуб миллионеров), и принудительное возвращение на родину, где ученого немедленно упекли в ГУЛАГ, и выживание в нечеловеческих условиях, и работа в КБ Туполева над шпионской оптикой, и освобождение, и награждение сталинской премией, и новая безвестность... Все было. Надо отметить, что во все времена и при любых условиях ученый не переставал заниматься изобретательской деятельностью.
Знаменитый инструмент Термена – терменвокс – явился значительной вехой в развитии электромузыкальных инструментов в мире. На нем играли и играют до сих пор. В Голливуде в далеких 40-50-х терменвокс использовали для озвучивания "ужастиков", а совсем молодой тогда Роберт Муг (дедушка всех синтезаторов) начинал карьеру с производства именно этого инструмента.
Терменвокс использовали такие мэтры современной молодежной музыки, как COIL, MARYLIN MANSON, THE PIXIES, FUGAZI, THE AVALANCHES, PORTISHEAD и JON SPENCER BLUES EXPLOSION. В Штате Мэн в 1997 году был проведен первый международный Термен-фестиваль. В Москве уже не первый год работает Термен-центр, который занимается пропагандой и изучением электроакустики, проводит лекции и семинары, посвященные истории развития электромузыкальных инструментов в России.
Следующим этапом в развитии электроинструментов в России стал первый в мире электронный синтезатор звука "АНС", который был придуман еще до 2-й мировой войны и сконструирован в конце 50-х советским инженером Евгением Мурзиным. Изобретатель работал над своим детищем практически в полном одиночестве (помогала только жена). Он создавал свой инструмент более 20-и лет! Но дело того стоило. "АНС" (эта аббревиатура расшифровывается как Александр Николаевич Скрябин) явился не только родоначальником целого класса новых инструментов, но и до сих пор по целому ряду параметров намного превосходит в качестве звучания современные модели.
Технической основой изобретения явился метод фотооптической записи, который позволял синтезировать звучание звуковой волны, для удобства редактирования нарисованной на стекле специальной невысыхающей краской. Музыкант должен был рисовать музыку, то есть графически отображать будущий звук. После отработки на партитуре очередной кусок произведения записывался на магнитофонную пленку. Осенью 1959 года макет синтезатора принял законченный вид.
Вскоре в Москве, благодаря поддержке Шостаковича, Мурзиным была создана Московская Экспериментальная Студия Электронной Музыки, одной из главных целей которой было построение серии универсальных электронных инструментов с 72-х или даже с 108-ступенной темперацией. Для сравнения, в обычных инструментах общепринята 12-ступенная темперация (знаменитые 7 белых и 5 черных клавиш у рояля), а у АНС в октаве было не 12, а 72 звука. В шесть раз больше!
Синтезатору были доступны тончайшие изменения высоты тона, еле уловимые самым чутким ухом. И сделано это все было ради того, чтобы синтезировать натуральные тембры, открыть доступ к естественному гармоническому строю, который искажен и обеднен европейской музыкальной системой.
В 1964-м году АНС был выставлен на международной выставке в Генуе, где произвел настоящий фурор. В студии Мурзина работали энтузиасты-единомышленники – Э. Артемьев, А. Немтин, П. Мещанинов, а также А. Шнитке, Э. Денисов и С. Губайдуллина. Сам же Мурзин занимался не только практической работой, но и писал книгу, посвященную электронной музыке, ее эстетике и проблемам восприятия разных музыкальных строев. Эта рукопись до сих пор хранится в Московской Консерватории, а ее издание бесконечно откладывается "на потом".
Что касается АНС, то, несмотря на закрытие студии и фактическое уничтожение большей части фонотеки, сам инструмент все же удалось сохранить. В настоящий момент АНС хранится в музее музыкальной культуры им. М. И. Глинки. Из наиболее известных произведений, созданных на АНС можно вспомнить музыку к фильмам Андрея Тарковского "Солярис" и "Зеркало", к кино эпопее "Освобождение", спецэффекты в легендарной "Бриллиантовой Руке" и т. д.
Теперь посмотрим, что же происходило за "железным занавесом", который на протяжении большей части XX века разделял ученых настолько, что они зачастую даже не подозревали, что то, над чем они столь усердно трудятся, уже давно изобретено по другую сторону берлинской стены.
Компания Telefunken в 1933 году представила миру изобретение Фридриха Траутвайна (Friedrich Trautwein) и Оскара Сала (Oscar Sala) – монофонический синтезатор Trautonium. Для того, чтобы играть на этом инструменте, необходимо было передвигать пальцы по специальной металлической ленте, выполняющей функцию клавиатуры. Громкостью звука можно было управлять с помощью силы давления. Этих приборов с 1933 по 1935 годы было произведено всего 200 штук.
В 1941 году француз Georges Jenny изобрел клавишный инструмент Ondioline, принцип работы которого основывался на генерации сигнала, аналогичной Терменвоксу, правда в Ondioline была реализована более сложная схема, благодаря которой звук получился более насыщенным и плотным. Уникальная клавиатура позволяла получать очень органичное вибрато с помощью колебания клавиш пальцами при игре. Всего было продано около 700 экземпляров этого инструмента.
В 1934 компания Hammond во главе с Лоуренсом Хэммондом выпускает первый электронный орган, который изначально был недорогой альтернативой духовым органам, и предназначался, в первую очередь, для церковных нужд. Позже, в 60-е годы, Hammond-орган стал культовым инструментом среди рок-н-рольщиков и хард-роковых групп (можно услышать его характерное звучание у The Beatles, Deep Purple, Yes и многих многих других).
И вот тут следует сделать небольшое отступление. Дело в том, что знаменитый орган Хаммонда был разработан на основе изобретения, запатентованного еще в далеком 1897 (!!!) году Таддеусом Кэхиллом (Thaddeus Cahill), и носившего название Телармониум (Telharmonium). Его также называли Динамофон. То есть получается, что Льва Термена опередили и синтезатор был изобретен еще в XIX веке? Но давайте разберемся.
Телармониум был первым музыкальным инструментом, производящим звук при помощи электричества. С точки зрения звукообразования он был, как и духовые органы, аддитивным. То есть он состоял из большого количества похожих блоков. 145 электрических генераторов, как и трубы у органов, вырабатывали ток разной частоты. Система приводилась в действие с помощью трех модифицированных органных клавиатур. При этом инструмент в сборе весил двести (!!!) тонн, а для его транспортировки требовался состав из тридцати вагонов. Реальный рабочий образец был создан только в 1906 году, хотя патент, как уже было сказано выше, получен еще в 1897. Телармониум существовал лишь в трех экземплярах (последний был создан в 1911 году), и как коммерческий проект провалился, хотя во многом предвосхитил развитие электронных музыкальных инструментов.
Эпоха Телармониума завершилась в 1916 году, так и не оставив после себя ни единой записи этого инструмента.
Почему Телармониум нельзя в полной мере назвать синтезатором? Ответ прост. В основе любого синтезатора лежит колебательный контур (осциллятор). Внутри него возникают электромагнитные колебания. А ведь в привычном для нас понимании основой аналогового осциллятора является контроль частоты колебаний при помощи напряжения. Именно по этому принципу работал Терменвокс, генерация сигнала и изменение частоты происходила на электронном уровне. И музыкант имел возможность изменять его, воздействуя извне. В то время как Телармониум издавал звук, складывая его из генераторов с фиксированными частотами, при этом трансляция звука происходила через телефонные линии. То есть, фактически, его работа основывалась на возбуждении электричеством физических колебаний. Грубо говоря, синтезатор должен звук синтезировать, а Телармониум его просто издавал.
Однако нельзя умалять достоинств этого изобретения. Кто знает, не появись Телармониум – может быть и вся история синтезаторов сложилась бы иначе. И, как уже было сказано, благодаря этому изобретению уже в середине века многие музыканты имели возможность играть на полифонических инструментах, какими были электроорганы. Забегая вперед, скажем, что вплоть до второй половины 70-х годов XX века для обычного музыканта полифонический синтезатор был нереальной мечтой. Так что, с одной стороны органы – это часть истории синтезаторов, с другой – нечто развивавшееся параллельно и независимо.
Дальнейшее развитие синтезаторов (как, впрочем, и всего остального, не связанного с вооружением) на долгие годы приостановила мировая война, однако после ее окончания процесс стал стремительно набирать обороты.
В 50-х годах прошлого века были разработаны первые инструменты, позволяющие создавать новые тембры – синтезаторы в привычном их понимании и принципе работы. Это были разработки компании RCA – Mark I (1955), и, чуть позже – Mark II (1959).
Инструменты не снискали большой популярности в силу очень высокой стоимости, гигантских размеров и неудобства в управлении. Модули Mark II занимали целую комнату, требовали многочасовой настройки, да и музыку могли воспроизводить лишь по заранее записанной программе, и это при стоимости в 175 тысяч долларов! Массовое же, промышленное производство синтезаторов началось лишь тогда, когда разработчику Роберту Мугу (тому самому, который выпускал терменвоксы в Америке, помните?) удалось создать гораздо более доступные, хотя все равно еще очень дорогие инструменты – они стоили около 7 тысяч долларов в минимальном варианте. Самую же большую популярность получил синтезатор Minimoog, цена которого составляла всего 1500 долларов, а небольшие габариты позволяли его легко транспортировать и использовать практически в любых условиях. Кстати, фамилию изобретателя "минимугов" правильнее произносить "Мог", а не "Муг", поскольку фамилия эта немецкая. Но мы уж будем пользоваться общепринятым, привычным слуху, вариантом.
Вскоре портативные инструменты стали производиться всеми синтезаторными брендами мира. Oberheim в 1974 выпускает SEM, у Korg в 1973-м выходит Minikorg 700 (а затем его двухосцилляторная версия Minikorg 700S – 1974), Roland в 1973 году производит свой вариант монофоника – SH-1000, Yamaha в том же году – SY-1.
Однако все вышеперечисленные модели при всей их портативности, удобстве управления и высоком качестве звука обладали одним серьезным недостатком – они были одноголосыми. То есть с солирующей партией они справлялись прекрасно, но в аккомпанементе они явно проигрывали гитарам и традиционным клавишным – фортепиано и органу. Это отставание сохранялась недолго.
Как мы уже знаем, еще в 1957 году в России был изготовлен полифонический АНС, но на Западе он был практически неизвестен. Кроме того, о серийном производстве этого уникального инструмента речи не шло.
В Америке компанией Hammond была предпринята попытка создания в чем-то похожего инструмента. Это произошло в 1939 году, когда АСН еще находился только на стадии разработки. Был создан инструмент значительно отличавшийся от органных разработок фирмы. Он получил название Novachord. Этот инструмент работал по принципу октавных делителей, и благодаря этому имел полифонию аж в 72 голоса! Имея в звуковом тракте фильтры и огибающие (то есть по сути субтрактивный синтез в основе), Novachord мог издавать звуки разных типов – и подобные струнным, хорам, и схожие с клавесинами и фортепиано. Первый экземпляр Novachord был преподнесен в качестве подарка на день рождения президенту США Франклину Делано Рузвельту в 1940 году. Инструмент остался непонятым современниками, так как помимо навыков игры, он требовал еще и немалых технических знаний для создания звуков. Да и наступившие военные годы сделали свое дело – коммерчески Novachord оказался не особо успешным. Позднее его нередко задействовали при оформлении художественных фильмов в жанрах ужасов и фантастики, а также в телепередачах.
Но вернемся в 70-е. В том же году, когда Роберт Муг подарил миру Minimoog (1970) другая американская компания, E-MU Systems, впервые создала полифоническую клавиатуру-контроллер для своего E- MU Modular System. В отличие от Novachord, на E- MU Modular System с помощью модуляров можно было создавать очень сложные и разнообразные звуки. Так что теперь у полифонических синтезаторов появились реальные перспективы!
И новые модели не заставили себя долго ждать. Уже в 1975 году Oberheim, получив лицензию на полифонический контроллер от E-MU, реализовала один из самых масштабных своих проектов, Oberheim 4Voice – полифонический синтезатор с четырьмя голосами, каждый из которых мог иметь собственный тембр, то есть имел индивидуальную настройку. По сравнению с модулярами 4Voice был небольших размеров. Он обладал прекрасным звуком и очень широкими возможностями синтеза, а кроме того – созданные звуки можно было сохранять в пресеты. Так что даже сегодня 4Voice является лакомым кусочком для многих электронщиков.
1978 год. Sequential Cirquits Instruments под управлением Дейва Смита выпускает революционный SCI Prophet-5 с 5-голосной полифонией и возможностью автоматической настройки всех голосов при помощи специального микропроцессора. Выпуск Prophet-5 продолжался до 1984 года, то есть до самого наступления цифровой эпохи в синтезаторостроении, что само по себе говорит об очень серьезном коммерческом успехе. За все это время «пятый» прошел три ступени развития (ревизии), каждая из которых вносила в инструмент довольно существенные изменения.
Следует сказать, что ранее, еще в 1973 году Yamaha создала монстра GX-1. Это был уникальный инструмент. Одной из его уникальных особенностей была страшная по тем временам (да даже и по сегодняшним) цена – 60 тысяч долларов США.
Такой дорогой инструмент могли себе позволить только самые именитые музыканты, такие как Keith Emerson (у которого GX-1 был любимым инструментом), John Paul Jones из Led Zeppelin, Stevie Wonder (у него их было даже два!), Benny Andersson из ABBA, Hans Zimmer (купивший его у Эмерсона, которому при этом второй GX-1 продал Джон Пол Джонс), а также Rick Wright из Pink Floyd (правда, не сделавший на нем ни одной записи). Конечно, ставить его в один ряд с более-менее доступными Оберхеймами и Профетами сложно, да и весил он аж 300 килограмм (а вместе с педалями и специальными четырьмя «родными» колонками вес составлял почти тонну!). Однако, на базе технологий, впервые реализованных именно в GX-1, Yamaha в 1976 году выпустила синтезатор, по мнению многих являющийся непокоренной вершиной синтезаторостроения, легендарный, великий и могучий…Yamaha CS80.
Он весил «всего лишь» 91 килограмм, а стоил «каких-то там» 7000 долларов. В отличие от Prophet-5, этот инструмент не имел программной цифровой памяти для сохранения пресетов, однако эта функция все же была реализована, хотя и довольно своеобразно. Ручки инструмента были продублированы в специальном отсеке таким образом, чтобы понравившееся сочетание можно было скопировать, а при необходимости к нему вернуться. Довольно изощренно, но на тот момент выбор был невелик, и приходилось мириться с неудобствами. Тем более, что Yamaha CS80 предлагал полифонию в 8 голосов, причем каждый голос был двуслойным. Мало того, синтезатор был оборудован уникальным на тот момент набором исполнительских выразительных средств, таких как ленточный контроллер (ribbon-controller) и динамическая клавиатура с полифоническим послекасанием (aftertouch).
Ленточный контроллер позволял делать полифонические слайды, то есть глиссандо в диапазоне нужного интервала. Динамическая клавиатура отвечала на силу нажатия, а полифоническое послекасание позволяло применять алгоритмы модуляции индивидуально к каждому звучащему голосу! Даже в современных синтезаторах крайне редко реализуется полифоническое послекасание. Например, если на aftertouch назначено вибрато, то, усиливая нажатие на одну из клавиш современных синтезаторов, вы получаете модуляцию на все звучащие голоса. А Yamaha CS80 уже в середине 70-х годов позволял куда более тонко использовать эту возможность. Заметно позже полифонический aftertouch был реализован в ряде инструментов других производителей, в основном в цифровых.
Звук CS80 действительно уникален, возможности его практически безграничны. Всемирно известный греческий композитор Vangelis – один из именитых пользователей Yamaha CS80, всегда считал его своим любимым инструментом. Кроме того, этот синтезатор использовали такие звезды первой величины как Paul McCartney, Michael Jackson, Jean Michel Jarre, Stevie Wonder, Peter Gabriel, Electric Light Orchestra, Kraftwerk, и многие другие.
70-е годы стали настоящим бумом электронной музыки. Клавишники, наконец, получили в свое распоряжение инструменты, которые не только не уступали по выразительности гитарам, струнным или духовым, но и превосходили все остальные инструменты ансамбля по разнообразию звуковой палитры. К концу 70-х годов полностью сложились все основные принципы синтезирования звука, а синтезаторы обрели все те элементы, которые мы можем наблюдать на них сейчас: несколько генераторов волны, генератор шума, фильтры, генераторы низкой частоты (LFO), благодаря которым можно было с необходимой периодичностью изменять какие-либо параметры (например, открывать и закрывать фильтр), и генераторы огибающей, при помощи которых музыканты-инженеры (возникла даже такая специальность) могли придать звуку нужную форму. Появились первые сэмплеры и драм-машины.
Синтезатор превратился в непременный атрибут любого большого концерта, стал неизменным участником студийного процесса и незаменимым орудием аранжировщика.
80-е. Эра Новой Волны в популярной музыке. Появились такие известные на весь мир группы, как Duran Duran, Depeche Mode, Japan, Pet Shop Boys, A-ha, Ultravox, Erasure и многие другие. Основой музыки этих групп стали синтезаторы, а жанр, благодаря этому, впоследствии получил даже название synthy-pop.
A-ha Depeche, Mode, Duran Duran, Pet Shop Boys...
Бурный всплеск интереса к синтезаторам во многом произошел благодаря еще одному революционному изобретению, превратившему работу с синтезаторами в сущий праздник для музыканта – в начале 80 -х появился протокол MIDI (Musical Instrument Digital Interface). Попробуем объяснить простыми словами его смысл. Через специальный кабель от инструмента к инструменту передавалась элементарная информация: какая клавиша нажата, в какой момент времени, с какой силой, сколько времени ее держали и т.п. То есть появилась возможность на одном инструменте играть, а слышать при этом звуки другого (или других), подключенного к основному при помощи MIDI-кабеля. Это невероятным образом упростило систему взаимодействия между музыкантами, синтезаторами и компьютерами (первые модели которых к этому моменту уже появились в свободном доступе).
Теперь для воссоздания полноценного звучания ансамбля не обязательно было долго искать единомышленников, репетиционное помещение, инструменты и т. д. Достаточно было обзавестись одной клавиатурой и несколькими рек-синтезаторами (вариант синтезатора без клавиатуры, на музыкантском слэнге – "мозги").
В середине восьмидесятых начали появляться рабочие станции, в которых в одном блоке были помещены многодорожечный секвенсор и драм-машина. Это дало музыкантам возможность, имея одну такую станцию писать полноценные композиции, имитируя звучание целой группы. Появилась возможность сочинять и записывать музыку, не выходя из дома.
Кроме того, в 80-е годы на рынке появились и активно укрепились новые разновидности электронных инструментов – цифровые синтезаторы и сэмплеры. Цифровые синтезаторы опирались на все достижения своих предшественников – аналоговых синтезаторов, но за счет использования микропроцессоров вместо громоздких генераторов, инструменты эти стали значительно компактнее, удобнее и дешевле. Появление же сэмплеров ознаменовало новый этап в развитии клавишных. Теперь музыканты могли записать в память инструмента абсолютно любой звук – от писка комара до пушечной канонады и затем, разложив звук по клавиатуре (назначив звуки разной высоты на разные клавиши), могли исполнять поистине "нечеловеческую" музыку.
Первым вполне доступным, полностью цифровым синтезатором, основанным на микропроцессорах был Synclavier, который был оснащен двумя клавиатурами (компьютерного и фортепианного типов) и жестким диском. Этот синтезатор использовали такие музыканты, как Гербе Хэнкок,Питер Гэбриэл, музыканты группы Duran Duran и другие. Следует отметить также цифровое пианино Kurzweil K250, выпущенное в 1983 году, опиравшееся на технологию цифрового сэмплирования. Затем аналогичную технику (ввиду неуклонно возраставшего спроса на нее) начали производить все, кому не лень.
Японские Roland, Akai, Korg. Американские Ensoniq, Alesis, Peavey, Kurzweil. Немецкий Waldorf.
В этой "гонке технологий" отметилась даже шведская компания Clavia представившая первый "виртуальный аналоговый" или, проще говоря, цифровой синтезатор Nord Lead.
Однако, ведущими производителями цифровых синтезаторов стали японские фирмы Yamaha и Casio.
Особенной популярностью пользовалась модель Yamaha DX7, выпущенная в 1983 году. Только в течение первых трех лет после выпуска было продано 200 000 экземпляров этого легендарного инструмента.
Сначала цифровые синтезаторы были восприняты музыкантами с недоверием, однако очень скоро они начали доминировать на рынке. Эти инструменты не уступали аналоговым синтезаторам в возможностях генерирования различных звуков, а в удобстве управления значительно превосходили их. Кроме того, цифровые синтезаторы были оборудованы банками разнообразных звуков. Звуки можно было сохранять, загружать, переносить с устройства на устройство, пересылать по почте и т.п.
Цифровые синтезаторы были меньше по размерам, а со временем стали еще и значительно дешевле аналоговых.
Цифровые синтезаторы, однако, полностью не вытеснили аналоговые и до настоящего времени довольно широко используются обе разновидности этих инструментов. Широко распространены также и возможные комбинации аналоговых и цифровых технологий, в частности ряд цифровых синтезаторов модулируют процессы аналогового синтеза.
Однако и это не было конечной точкой эволюции синтезаторов. В связи с бурным развитием индустрии персональных компьютеров в 2000-х, очень скоро и у цифровых и у аналоговых синтезаторов появился грозный конкурент – виртуальные синтезаторы. То есть компьютерные программы, полностью эмулирующие работу известных моделей синтезаторов. Таких программ уже существует великое множество. Практически любой мало-мальски известный синтезатор имеет своего компьютерного двойника. Все они активно совершенствуются, адаптируются под новые модели компьютеров, покупаются и продаются. В этом сегменте бизнеса крутятся огромные средства.
В данный момент музыканты и аранжировщики разделились на два обширных лагеря. В одном находятся приверженцы hardware – то есть люди, считающие, что несмотря ни на какие достижения технического прогресса, настоящие инструменты все-таки звучат лучше, с их клавишами, кнопочками и рычажками. С другой же стороны баррикад находятся любители software. Эти не менее профессиональные артисты утверждают, что с закрытыми глазами человек уже не может различить разницу в звучании "родного" синтезатора и его программной эмуляции. А в этом случае непонятно зачем захламлять помещение и содержать тонны дорогостоящего оборудования, если можно обойтись одним мощным компьютером и качественными мониторами?
Кто из них прав – не нам судить. Мы придерживаемся того мнения, что человек сам должен сделать свой выбор. Если вам удобно работать за реальной клавиатурой реального прибора, у которого каждый параметр можно в прямом смысле "пощупать" и имеющего к тому же крайне эстетичный внешний вид и волнующую историю – пожалуйста, приобретайте hardware-синтезатор. Если вам нравится компьютер, удобство и универсальность всех действий – ваши друзья soft-синтезаторы.
Главное, чтобы музыка в результате получалась красивая!
Sentai Nee, Суншадари Свентханэс
